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2 septembre 2011 5 02 /09 /septembre /2011 15:59

Deauville est la station balnéaire la plus connue de la côte normande avec Cabourg. Sa célébrité tient à la beauté de sa plage et à la richesse de ses équipements touristiques (Casino, hôtels, golfs, restaurants). Elle accueille aussi chaque année le Festival du film américain. Tout cela contribue à ce qu’elle attire, outre des milliers de touristes, des célébrités dans tous les domaines. C’est aussi une station gastronomique qui offre une large palette de restaurants en Normandie.

Sans se tromper

La Belle Époque est le restaurant de l’hôtel Normandy, qui est le palace de référence à Deauville. Dans un décor somptueux, vous goûterez la cuisine d’André Plunian. À la carte, il faut compter 100€, auquel il faudra ajouter les vins et le café. Il se situe au 38, rue Jean Mermoz à Deauville ; téléphone : 02 31 98 66 22.

Le Spinnaker, proche de la place Morny offre un décor marin pour un moment de grande gastronomie. Le chef Frédéric Lesieur place son travail entre mer et terre, il offre couteaux et ormeau grillé, pigeon fermier et toute une gamme de foies gras. Le prix à la carte est de 85€ sans les vins. Il est au 52, rue Mirabeau à Deauville ; téléphone : 02 31 88 24 40.

Les coups de cœur

Le Yerling, à quelques pas de la mer et du centre de ville, offre une gastronomie de choix classique. Christophe Joumaa privilégie dans sa cuisine les produits de la région et de saison. Les menus vont de 18€ à 34€, comptez 50€ à la carte. Vous le trouverez au 238, avenue Hocquart de Turlot à Deauville ; téléphone : 02 31 88 33 37.

Augusto Chez Laurent, le décor est celui d’un yacht en bois blanc. L’ambiance y est chaleureuse. C’est ici que vous goûterez les spécialités de homard et autres produits de la mer. Les menus vont de 37€ à 57€. Ce havre de paix se situe au 27, rue Désiré le Hoc à Deauville ; téléphone : 02 31 88 34 49.

Le Romantica Caffé Deauville a trouvé refuge dans une splendide maison normande où, paradoxe oblige, le chef propose une cuisine italienne de grande qualité. Le prix à la carte est de 50€ sans les vins et le café. Son adresse est 83, rue Eugène Colas à Deauville ; téléphone : 02 31 82 33 25.

La Flambée à 300m de la plage offre des spécialités de grillade. Le prix à la carte est de 20€ à 49€. Il est au 81, rue du Général Leclerc à Deauville ; téléphone : 02 31 88 28 46.

(prix constatés en septembre 2011)

DEAUVILLE - Casino de Trouville

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2 septembre 2011 5 02 /09 /septembre /2011 15:09

En Philatélie, il ya deux points de vue pour envisager la collection de timbres français, neufs ou oblitérés. Le timbre neuf est attendu par le collectionneur dans un état parfait avec une gomme intacte. Ils ont généralement la cote la plus élevée. C’est pourquoi la collection de timbres avec oblitération postale est plus facile, car ceux-ci coûtent moins cher.

A quoi sert une oblitération ?

Le timbre oblitéré ouvre le champ à toute une recherche sur le voyage de la lettre ou de la carte, et les oblitérations sont-elles mêmes objets de curiosité.

L'oblitération tout en annulant la valeur du timbre indique le lieu et la date de départ du courrier. Ce fut sa fonction première (1840). Par la suite, le tampon est devenu une source d’inspiration, de propagande et de commémoration.

Chaque oblitération a une valeur d’indication et d’information, elle devient objet même de la collection. Le centrage de l’oblitération sur le timbre est important, car il permet la lisibilité maximum de l’information, si le timbre n’est plus solidaire de son pli.

Les valeurs des timbres sont dépendantes de ce cachet de la poste. Le timbre oblitéré est devenu un centre d'intérêt pour les collectionneurs.

Les différentes formes d’oblitération

Au cours de l’histoire, les oblitérations ont changé de couleurs et de formes. A l’origine, la couleur rouge fut brièvement expérimentée sur le 1 penny noir, puis abandonnée pour le noir qui s’est révélé plus efficace et adapté à toutes les couleurs et nuances des timbres.

La couleur bleue a servi, un temps, dans les colonies françaises. Le Violet a été utilisé en Crète, comme le rouge et le vert pour des commémorations en France ou par la poste tchécoslovaque.

La forme circulaire de l’oblitération s’est très largement imposée. Il faut cependant relever que des oblitérations manuscrites ont été opérées dans des circonstances exceptionnelles, comme en 1871 pour certains bureaux alsaciens dans l’attente d’instructions.

En périodes de guerre, à chaque fois que celle-ci désorganisait le fonctionnement postal, les employés usèrent provisoirement d’oblitérations manuscrites.

La rareté de ces occasions a fait toute la valeur de collection de ces oblitérations si particulières, si elles ont été conservées sur leur support.

Toutes les formes ont été utilisées pour l'oblitération du courrier : Croix de Malte pour les premiers timbres, barres parallèles en formes ovales, grilles losangiques ou en étoiles, numéros en petits, puis grands chiffres, rectangles en petits points…

Bien sûr, la date faisant foi du départ et en même temps le lieu ont fait très tôt leur apparition. L’évolution des techniques et des machines à timbrer (1900) menèrent à l’apparition de "la flamme postale", généralement utilisée pour une publicité touristique, de marque ou de propagande.

1 Verso de la carte QSL de SWL-W2 (USA), avec un timbre Source RadioLUFTFELDPOST - 13. Januar 19431 Verso de la carte QSL de CN8AB (Maroc), avec un timbre Source Radi

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2 septembre 2011 5 02 /09 /septembre /2011 13:25

On désigne par la Coloniale, les territoires d’outre-mer, colonisés par la France depuis le XVIe siècle. Cet ensemble désigne, tout au long de l’histoire, des territoires et des statuts très différents : des premiers temps, au Québec (La Nouvelle France), en passant par les Antilles esclavagistes du XVIIIe siècle, jusqu’à l’Algérie française. Cette dernière sera assimilée, jusqu’à devenir un ensemble de départements français. Cette histoire se décompose en 2 époques.

La première époque

Du XVIe siècle, jusqu’à la chute du Premier Empire

La France des colonies comprend le continent nord-américain, les Antilles, jusqu’à la colonisation de l’Inde et de l’Afrique. La Nouvelle-France ira jusqu’à comprendre la moitié de l’Amérique du Nord : Le Canada, Terre neuve, l’Acadie et la Louisiane.

L’empire s’étend sur 8 millions de km². L’empire exporte, essentiellement, à partir des Antilles, du sucre et du café. Cette colonisation menée par la France sera de courte durée. D'échecs militaires en échecs militaires, la France abandonnera aux Anglais et aux Espagnols la plus grande partie de ces territoires, jusqu’à ce que Napoléon III vende aux Américains La Louisiane.

Et en 1804, la France perdra aussi la colonie de Saint-Domingue, qui proclamera son indépendance, comme République d’Haïti. De Française, l’Amérique du Nord devint alors anglophone.

La deuxième époque

La 2e période commencera dans les années 1830

Elle se constituera à partir des possessions :

  • D’Afrique, comme le Sénégal, le Gabon, Madagascar.
  • D’Asie, avec l’Indochine.
  • Et d’Océanie, avec la Polynésie, la Nouvelle-Calédonie et les Nouvelles-Hébrides.

Il est plus vaste que le premier, 12900000km², et s’espace de la 2e moitié du XIXe siècle, jusqu’au XXe siècle. Il est le deuxième, en importance, après celui des Britanniques.

Il portera la marque de Napoléon III, qui entreprendra aussi la conquête de l’Algérie. Le décret du 2 juin 1848 instaurera les départements français d’Algérie et du Cambodge.

A la fin de la guerre de 14-18, la France obtient un mandat de la Société des Nations sur la Syrie et le Liban.

Au cours de la Seconde Guerre mondiale, après l’effondrement en métropole de l’armée française, ce sont les territoires français d’outre-mer qui serviront de base à la résistance et aux forces françaises libres.

Après la colonisation, la période d’après-guerre sera une période de décolonisation, en douceur, pour ce qui concerne les colonies françaises d'Afrique, mis à part l’Algérie. Il faudra attendre les accords d’Evian 1962 pour que l’Algérie devienne un état souverain, et l’Indochine.

Aujourd’hui ce qu’il reste de la France d’outre-mer ne représente plus que 120656km², mais il assure la présence de la France dans tous les océans de la planète.

Carte géographique ancienne des Antilles (wp-FR) avec réhaussé m1 La Polynésie (en blanc), Fenua enata en polynésien, îles et eaux Carte de lAlgérie | Source Traduction personnelle de la version angla

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2 septembre 2011 5 02 /09 /septembre /2011 10:39

"Die lustige Witwe, la Veuve joyeuse" opérette en français est l’œuvre de l’Autrichien (d’origine hongroise) Franz Lehar, né le 30 avril 1870, mort le 24 octobre 1948. L’opérette sera jouée pour la première fois le 30 décembre 1905 au Theater an der Wien, qui est le théâtre le plus célèbre de Vienne, construit au début du XIXe siècle. Elle connaîtra un succès mondial, elle est encore jouée de nos jours sur de nombreuses scènes internationales.

Histoire

"La Veuve joyeuse" a été inspirée par la comédie "L’attaché d’ambassade" d’Henri Mailhac, comédie en trois actes jouée en 1861. Le livret est de Victor Léon et Léo Stein.

Ce sont Robert de Flers et Gaston Arman de Caillavet (tous deux dramaturges français) qui en écriront la version française. La première sera donnée à l’Apollo à Paris le 28 avril 1909.

Elle sera interprétée des centaines de milliers de fois depuis cette création, renforçant à chaque fois son succès auprès du public.

Certains de ses airs connaissent une célébrité auprès du grand public comme les duos "viens dans mon joli pavillon" et surtout "heure exquise" associés à Veuve Joyeuse ou encore l’air de Vilja.

"Heure exquise, qui nous grise lentement

La promesse, la caresse du moment

L'ineffable étreinte de nos désirs fous

Tout dit : Gardez-moi puisque je suis à vous".

Thématique

Comme toute opérette, il est question d’amour. L’action se situe à l’ambassade de Pontévédro.

L’ambassadeur Mirko Zeta s’inquiète des écarts de sa femme Valencienne et il s’ensuit une cascade d’amours contrariés. L’allusion au Monténégro est évidente, pour mieux souligner le fait que ce petit pays est l’objet de moquerie du fait de son état de quasi-faillite.

L’un des personnages central Danilo est, de même, une allusion à la dynastie régnante au Monténégro, Nicolas 1er.

L’œuvre connaîtra à travers son succès mondial de nombreux enregistrements dont l’un dirigé par le célébrissime Herbert von Karajan (Deutsche Grammophon) avec Elizabeth Harwood, René Kollo, Teresa Strats er Zoltan Kelemen.

Dès 1925 Erich von Stroheim en tourne une version filmée et surtout en 1934 Ernst Lubitsch réalise la version la plus connue avec Maurice Chevalier et Jeannette Mac Donald.

Franz Lehar.  The Merry Widow, piano score, cover, Vienna 1906 Franz LWithered. Wormy.

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2 septembre 2011 5 02 /09 /septembre /2011 08:14

L’Ogresse, 4 rue des prairies dans le 20e arrondissement a été créée en 2000, sous forme d’association à but non lucratif conformément à la loi 1901, avec pour objectif d'ouvrir une nouvelle scène parisienne originale et expérimentale. Elle accueille de fait, sans exclusive, les compagnies de théâtre, de marionnettes, les conteurs, les jongleurs, les musiciens, les chanteurs, plus quelques secrets !

Son financement

Dans un secteur culturel en crise du financement, l’Ogresse a du, les premières années faire preuve de sa capacité à s’inscrire durablement dans le panorama des scènes alternatives avec ses seules forces.

Ce n’est qu’à partir de l’année 2008 qu’elle a pu bénéficier de subventions publiques de la Région Île-de-France et de la Délégation à la Politique de la Ville. Jusque là, son fonctionnement était assuré par la buvette et la restauration, organisées sur place, la location de la salle, les adhésions du public et des artistes (de 25€ à 999€) et le mécénat qui voulait bien se manifester.

Sa programmation

Elle accueille les jeunes artistes dans toutes les disciplines et organise une fois par mois une opération plutôt originale : "Vide ton sac". L’hiver, chacun amène sa soupe, il y a un feu de cheminée, l’été ce sont les crudités et les éventails et surtout chacun amène, son texte, son enregistrement, son film, son conte, son histoire et tout cela se partage et se mélange.

Autre animation emblématique : "Histoire aux enchères". Les objets vous encombrent, ils vous gênent et vous intriguent, alors apportez-les à Matala avec votre histoire qu’il écoutera et transformera en un petit spectacle.

L’objet sera vendu aux enchères entre 5€ et 15€ qui serviront au financement artistique du lieu, ainsi vous rentrerez chez vous soulagé. Elle est aussi le lieu de quatre festivals :

  • JazzOgre.
  • Accordéons à Cordes.
  • Festivals de soutien.
  • Du texte Oh ! Bord d’elle.

Son restaurant

Celui-ci, bien à part, vient en complément de la salle en proposant sur place une restauration au rapport qualité-prix exceptionnel :

  • Confit de canard au miel est au prix de 14€.
  • Assiette végétarienne est au tarif de 9,5€.
  • Assiette de charcuterie ou de fromage est au prix de 9,5€.
  • Des desserts (tiramisu, moelleux au chocolat, fromage blanc aux fruits) sont proposés entre 5€ et 6€ (prix en septembre 2011).
Erwan Fagant solo (Théâtre de l'Ogresse, Paris 20)

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1 septembre 2011 4 01 /09 /septembre /2011 13:08

Si certains artistes avaient pu être nommés Peintres de la Marine du roi, c’est la Monarchie de juillet qui en instaurera en 1830 le principe et les règles. Seul le ministre de la Défense est habilité à accorder ce privilège à des artistes reconnus comme ayant consacré tout ou partie de leurs œuvres à la mer, mais aussi aux gens de mer.

Histoire

Ce choix se fait aussi bien sur la maîtrise technique de leur art que pour leur inclinaison et leur affinité avec l'univers marin.

Ce privilège peut revenir aux peintres, aux photographes, aux sculpteurs, aux graveurs, à tous les artistes plasticiens.

Ils étaient quatre en 1860 à en bénéficier, cinquante et un en 1914.

En 2010, ils sont quatre à être nommés : Marie Détrée-Hourrière, Jacques Rohaut, Olivier Dufaure de Lajarte et Guy l’Hostis.

Les peintres officiels de la marine, avec leurs tableaux de marine, forment le groupe artistique d’état le plus ancien. Le corps des peintres de la Marine a compté dans ses rangs et au cours de son histoire d’illustres artistes : Albert Marquet, Félix Ziem, Paul Signac, Eugène-Louis Gillot et André Hambourg.

Par décrets successifs leur statut évoluera, c’est celui de 1924 qui fixe le nombre maximum d’artistes en mesure de bénéficier de ce label : vingt et pas un de plus, la durée des avantages et privilège est limitée à trois années.

Afin de leur donner plus de lisibilité, un salon bisannuel a été instauré, présentant les images de ces peintres officiels. Le jury chargé de donner les agréments est toujours présidé par un officier général de Marine et d’officiers de Marine, nommés par le ministre de la Défense.

On devient peintre titulaire après avoir été nommé peintre agréé plus de quatre fois consécutives ou avoir dépassé l’âge de soixante ans.

L’histoire des opérations navales a retenu quelques grands artistes : Jacques Callot au siège de La Rochelle, Eugène Delacroix sur une mission au Maroc, Louis Le Breton sur l’Astrolabe.

Privilèges

Le titre ne donne droit à aucun salaire, ni commande officielle, seulement une reconnaissance de l’Etat pour l’œuvre et le travail accompli en faveur de la marine, assorti de quelques privilèges non négligeables.

Il offre aux heureux élus la possibilité d’embarquer sur l’ensemble des bâtiments de la Marine nationale. Le port de l’uniforme leur est attribué et ils sont rattachés au service historique de la Marine.

Les peintres titulaires ont rang de Capitaine de Corvette et les agréés celui de Lieutenant de Vaisseau.

Enfin s’ils le souhaitent, ils peuvent faire suivre leur signature d’une ancre de Marine, consacrant leur maîtrise de l'art marine. Ils ont été choisis pour leur amour de la mer, mais aussi pour leur capacité à témoigner par leur art.

Shoulder insignia of a En:Peintre de la Marine | Peintre de la Marine The Grand Canal by Richard Parkes Bonington

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31 août 2011 3 31 /08 /août /2011 18:13

Le Père Réginald Garrigou-Lagrange, né en 1877, mort en 1964, est la figure emblématique du catholicisme réactionnaire. Il s’opposa aux tentatives de modernisation de l’église en prônant les enseignements de Saint Thomas d’Aquin. Son œuvre littéraire est impressionnante, plus de 500 livres et articles. Il est réputé comme le principal penseur du néothomisme. Ce courant a pour objectif de faire vivre la doctrine de Saint Thomas d’Aquin, à savoir lutter contre les erreurs induites par le modernisme. Toute sa vie, il sera un prêtre qui fera le choix de l’enseignement, professeur de cette foi rigoureuse. Il fera l’admiration de tous.

Une jeunesse banale

Sa jeunesse sera itinérante de La Roche-sur-Yon à Tarbes en passant par Nantes. Ses préoccupations sont éloignées de la théologie. C’est un bon élève vite remarqué, en particulier par le philosophe Jules Lachelier. Il rate une première fois son baccalauréat, puis se tourne vers les études de médecine à Bordeaux.

À l’aube naissante du vingtième siècle, la question de Dieu fait irruption dans sa conscience. La lecture d’Ernest Hello et de son livre "L’homme" embrase sa conscience. La révélation est totale. Il décide de consacrer son existence à Dieu.

Un engagement spirituel absolu

 Garrigou Lagrange intègre la Trappe d’Echourniac, ensuite la chartreuse de Vauclair. Ce sera l’ordre des Dominicains. Bien que très jeune, il subit toutes les épreuves pour endurer sa foi. À 20 ans, il poursuit son éducation religieuse à Flavigny. Il sera ordonné prêtre à 25 ans.

Il se consacrera à l’enseignement de la philosophie et à ce qui lui tient le plus à cœur le thomisme, d’abord en Belgique, puis à Rome où pendant 50 années il sera le spécialiste de Thomas d’Aquin, dont la doctrine guide alors l’Église catholique.

Les dernières années de sa vie seront difficiles et éprouvantes. Il s’éteint le 15 février 1964, alors que le concile de Vatican II instaure la nouvelle théologie qu’il aura combattue toute sa vie.

Un formateur

Le père Lagrange fut un excellent formateur, un professeur admiré. Écrivain inépuisable, il a grandi au coeur de la doctrine officielle présentant une foi rigoureuse, un au-delà sans mystère et irrévocable. Dieu n’est pas un père, mais un juge implacable des vices qu’il faut combattre.

Il écrit "La synthèse thomiste" (1951) et parle d’autant plus fort que des voix (Lubac, Bouillard) commencent à s’élever pour demander un retour vers plus de souplesse. Il sera le rempart le plus populaire du catholicisme pour défendre les vertus anciennes.

Même si l’histoire ne lui donna pas raison, il sut parler de la vérité et mettre en garde contre toute tentative de manipulation de celle-ci. Et d’une certaine manière, il annonça le déclin de la pratique religieuse dans les sociétés occidentales.

émail de Limoges représentant Saint-Thomas d'Aquin - vers 1600, MusLe dôme de Saint Pierre vu depuis la villa Médicis (Rome)

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31 août 2011 3 31 /08 /août /2011 14:04

Edgar Degas, Hilaire Germain Edgar de Gas de son vrai nom a fait sa place dans le monde des arts en laissant une œuvre éclectique (peintures, gravures, sculptures, photos). Il s’essaye à tous les genres, compagnons de route des impressionnistes, au nom de la liberté, il préfère travailler sur la mémoire, les formes, le mouvement et la vie. De toutes ses tentatives, l’histoire de l’art retient plus aisément "ses danseuses". Né le en 1834 il disparait le 27 septembre 1917.

L’œuvre

La biographie de Degas est intéressante. Destiné à des études de droit, il abandonne la faculté avec la bénédiction familiale pour se consacrer à la peinture, il voyagera en Italie pour mieux se former.

Originaire d’une riche famille de banquier, il aura toute la liberté matérielle de se consacrer à son art. Il fréquente le gotha des impressionnistes : Monet, Cézanne, Renoir, Sisley, Pissarro. Pour autant, il crée un style "Degas".

Des portraits, il en souligne le moindre détail, il compose ainsi de vastes portraits de famille ("La famille Belleli"). Il se lance dans une peinture d’inspiration historique, puis une peinture de genre. Il admire et aime saisir les instants en mouvement.

Des chevaux de course, il passe très vite à l’opéra et la danse qui marquera son œuvre. Sa principale caractéristique : il ne peindra aucun paysage, seuls les figures et leur mouvement retiennent son attention.

La danse ou la pensée synthétique de Degas

Degas et ses danseuses, il créera sa première œuvre dédiée à sa nouvelle passion en 1872 : "le Foyer de la Danse". Il réalisera toute une série de tableaux consacrés aux ballets, à la danse et aux danseuses.

En 1881, Degas réalisant déjà de nombreuses sculptures, sculpte dans la cire sa célèbre "Jeune Danseuse de 14 ans". Déjà expérimenté dans son art visuel de saisir les mouvements en les mettant en perspective, il va trouver dans la danse une source d’inspiration majeure.

Outre la fantaisie que lui offre ce milieu, il voit un champ d’étude conforme à sa conception de la peinture : mouvement, composition d’ensemble, rythme. Il s’intéresse à tout : les séances d’exercice, les répétitions, l’ambiance des coulisses et les spectacles.

Les danseuses font l’objet de son admiration qu’il tente de sublimer en les représentants à chaque instant de leur activité et de leur vie. C’est l’univers de la danse qu’il veut traduire et transmettre, cette tentative "totale" est sans aucun doute une réussite qui a été consacrée par l’histoire de la peinture.

Parmi toutes les œuvres de Degas, on retiendra les "Danseuses bleues" (1890) au Musée d’Orsay pour leur aura mystérieuse et son pastel "la classe de dance".

Edgar Degas (The Burrell Collection, Glasgow)1 Edgar Degas self-portrait. ca 1857 oil on paper laid down on canvas

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31 août 2011 3 31 /08 /août /2011 10:48

Critique d’art, essayiste et romancier, Bernard Noël explore le verbe avec exigence, il est de son temps et pour cela même, il est celui qui écrit et celui qui se tait. Son éclectisme l’encourage à jeter son regard de poète sur la peinture contemporaine. Né en 1930, il publie à 28 ans son premier livre de poésie : "Extraits du Corps", reconnu aussi bien par Louis Aragon, que Maurice Blanchot. Il écrit aussi sous cet autre nom de plume : Urbain d’Orlhac.

Un itinéraire peu ordinaire

Il se "taira" durant neuf longues années avant de faire paraître son deuxième opus "La Face de silence" (1967). Il vit, écrit, ressent l’histoire et se nourrit de cette génération née à l’atome, nourrie des camps d’exterminations et de guerres coloniales sans fin.

Il instaure sa conception du poète sur ces paroles là, c’est pourquoi il mélange si bien la parole et le silence, pour l’exigence même du poème, ce lieu où cherche à s’incarner une forme de vérité. Où est l’avenir ? C’est cette traque qu’il mène depuis avec ses textes.

Audacieux, il sera poursuivi pour "outrage aux bonnes mœurs" après la publication de son livre "Le château de Cène" (1969). Il est aujourd’hui à la poésie la vigie qui, en alarme, récite au tout-venant l’esprit de nécessité.

Une œuvre littéraire complète

Il a à son actif une quarantaine d’ouvrages qui capitalisent tout son engagement politique. Ils sont l’expression de son immense influence sur la littérature contemporaine et sur le monde des idées. Parmi ceux-là quelques-uns viennent à l’esprit, dont les titres eux-mêmes renvoient aux questionnements dont il est familier :

  • "La Maladie du sens", POL éditions.(2001).
  • "La face du silence", éditions Flammarion (1967).
  • " À partir de la fin-La Vieille Maison", éditions l’Instant perpétuel (1984) illustrations Serge Plagnol.
  • "La Rumeur de l'air" aux éditions Fata Morgana (1986).
  • "La Chute des temps", collection Poésie, Gallimard (1993).
  • "Lettre verticale XXXI pour Olivier Debré", aux éditions l’Instant perpétuel (2000).
  • "Les Plumes d’Éros, Œuvre 1" POL éditions (2010).

Il sera successivement honoré par le prix Artaud (1967), le Grand Prix national de la poésie (1967) et par le prix Robert Ganzo (2010). Évidemment poète, au plus haut de sa fonction, Bernard Noël lance sa littérature comme une pierre dans le vide de la falaise. Seule la chute compte, cet instant d’affalement qui précède le choc, là, à cet instant, il dit le monde aveugle et les peuples sourds, il crie l’espérance du poète.

1 Izquierda a derecha: es:Gerhard Falkner | Gerhard Falkner (Alemania

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31 août 2011 3 31 /08 /août /2011 07:32

Né en 1970, Julien Lourau a déjà derrière lui, une longue histoire musicale et une trajectoire artistique à faire pâlir plus d’un musicien. Il est aussi le fils du sociologue René Lourau et participe à plusieurs univers musicaux (rock, musique électronique, jazz) pour s’affirmer aujourd’hui comme un exceptionnel joueur de jazz au saxophone, ténor de préférence.

Des débuts prometteurs

Comme beaucoup de musiciens de sa génération, il a grandi à l’ombre de styles, de rythmes et de genres musicaux différents, tous aussi riches et talentueux les uns que les autres.

Il se forme très jeune sur le tas, avec le groupe Trash Corporatino (avec Noël Akhoté et Bojan Zulfikarpasic) et le collectif Gramofon, groupe très éphémère dont l’unique CD est aujourd’hui prisé des collectionneurs.

Il réunit des musiciens devenus depuis des artistes confirmés du jazz français (Julien Loureau bien sûr, mais aussi Vincent Ségal, Cyril Atef , Sébastien Martel).

C’est en 1992 qu’il gagne son premier prix, au concours national de jazz de la Défense et qu’il commence, à 25 ans, sa carrière professionnelle avec le Julien Lourau Groove Gang (avec Daniel Casimir, Nicolas Genest, Daniel Garcia-Bruno, Jules Bikoko, Bi N’jami).

La sortie en 1998 de l’album «City Boom» le consacre comme nouveau venu talentueux de la scène française.

Entre temps, il se sera formé en jouant dans des orchestres confirmés, comme Henri Texier, Marc Ducret, Abbey Lincoln, expériences musicales qui le marqueront et lui donneront, sans aucun doute, l’originalité et l’énergie dont il fera preuve par la suite.

Une carrière qui s’installe

Une fois le Groove Gang dissous, Julien Loureau revient à une musique étonnante, corsée et électro en sortant l’album "Gambit" (2000), avec Jeff Sharel, Malik Mezzadri et DJ Shalom.

Il fait un retour arrière étonnant en 2002, en revenant à un esprit "acoustique" plus traditionnel avec"The Rise" (2002), c’est aux dires des critiques, l’instant au Julien Loureau exprime un art musical plus mature.

Il multiplie les expériences et se produit aussi en duo avec le pianiste Bojan Zulfikarpasic. Puis, il retourne à une forme de nouveau plus expérimentale avec "Fire & forget" (2005) et il reprend sa collaboration avec Jeffe Sharel en 2008 pour l’album "Brighter Days".

Il sort en 2009 chez Naïve "Saigon Quartet", avec le Julien Lourau Saigon Quartet.

Comme tout bon musicien, il dispose d'un espace Julien Lourau sur Myspace où il met à disposition du public l'écoute du meilleur de lui-même.

Julien Lourau jazz live New Morning

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Présentation

  • : Le blog de Jean pelletier
  • Le blog de Jean pelletier
  • : Pour suivre l'actualité politique, la défense de la propriété intellectuelle et suivre quelques conseils en gastronomie et en histoire
  • Contact

L'auteur

  • Jean Pelletier
  • Né en 1952, ancien élève de l’Institut d’études politique de Paris et titulaire d’une Maîtrise de Lettres , j'ai   été Directeur des Relations Extérieures de l’ADAMI et professeur associé à l'université d'Evry . Je suis aujourd'hui à la retraite et je continue à enseigner. Ce blog est né d'une passion celle de l'écriture, liée à mon insatiable curiosité., d'où la diversité des rubriques.
Vous pouvez vous abonner à ce blog ou me suivre sur ma page facebook  et mon compte twitter
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  • Né en 1952, ancien élève de l’Institut d’études politique de Paris et titulaire d’une Maîtrise de Lettres , j'ai été Directeur des Relations Extérieures de l’ADAMI et professeur associé à l'université d'Evry . Je suis aujourd'hui à la retraite et je continue à enseigner. Ce blog est né d'une passion celle de l'écriture, liée à mon insatiable curiosité., d'où la diversité des rubriques. Vous pouvez vous abonner à ce blog ou me suivre sur ma page facebook et mon compte twitter https://www.facebook.com/jean.pelletier 77https://twitter.com/jmpelletier Bonne lecture.

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